핵심 팀원들을 소개하고 그들의 업계 경험을 공유하는 새로운 “Streamline Spotlight” 시리즈의 일환으로, Streamline Games의 시니어 아티스트인 Korosh Ghanbarzadeh와 인터뷰를 진행했습니다. Streamline Games.
Korosh 님은 14년 동안 아티스트로 활동하며 Call of Duty: Black Ops Cold War 와 Street Fighter V를 포함한 다수의 AAA 타이틀 작업에 참여하셨는데요. 아티스트로서의 여정은 어떻게 시작되었고, 그 이유는 무엇인가요?
저는 아주 어릴 때부터 예술에 열정이 있었습니다! 솔직히 말해서 제가 진심으로 관심을 두는 유일한 분야였죠. 저에게는 예술 분야에서 커리어를 쌓는 것이 너무나 당연한 선택이었습니다. 처음 시작할 때는 게임 스튜디오가 많지 않아서 힘들었습니다. 포트폴리오를 쌓을 수 있는 일이라면 무엇이든 해야 했기에 광고부터 동화책 삽화까지 가리지 않고 작업했습니다. 여러 프로젝트를 병행하고, 가족을 돌보며, 학업까지 이어가는 균형을 잡는 법을 배워야 했죠. Streamline에 합류하게 된 것은 이제 과거의 일이 되었지만, 그 모든 노력이 결실을 보았습니다.
첫 번째 예술 의뢰를 기억하시나요?
물론이죠, 첫 유급 작업을 기억합니다. 단편 영화에 필요한 캐릭터 콘셉트 아트를 찾던 인디 스튜디오였어요. 작업 자체는 매우 보람 있었지만, 지금 돌아보면 제가 뭘 하고 있었는지도 잘 몰랐던 것 같아요! Streamline에서의 첫 업무조차 3D 및 캐릭터 작업으로 넘어가기 전의 콘셉트 아트였으니, 제가 어디서 시작했는지 상기시켜 주는 계기가 되곤 합니다.
여러 타이틀 작업에 참여하셨는데, 특별히 마음속에 남는 프로젝트가 있나요?
이상하게 들릴지 모르겠지만, 프로젝트보다는 사람들이 제 마음속에 깊은 인상을 남겼습니다. 우리는 서로에게서 정말 많은 것을 배우며 일하는데, 그건 다른 아티스트들에게서만 배우는 것이 아닙니다. 가장 가치 있는 피드백 중 일부는 전문적인 교육을 받지 않은 사람들로부터 나왔는데, 그들은 저에게 새로운 시각과 신선한 관점을 제공해 주었기 때문입니다.
배움에 관해 이야기해 보자면, 아티스트가 되기 전의 젊은 시절 자신에게 해주고 싶은 말이 있을까요?
지금 제가 가진 아티스트로서의 관점과 비전을 공유하고 싶어요. 나무만 보느라 숲을 보지 못할 때 길을 잃기 쉽고, 자기 의심은 쉽게 악순환으로 이어지곤 하죠. 저는 당장 먹고사는 문제에 매달려 있었고, 이 길이 어디로 이어질지 확신이 없었습니다. 솔직히 커리어를 시작하면서 고민할 여유가 있다는 건 큰 사치입니다. 그때 관점을 가졌더라면 생각할 시간을 벌 수 있었을 거예요.
“아티스트로서의 비전”이라고 말씀하셨는데, 정확히 어떤 의미인가요?
저는 항상 예술에 열정적이었고 캐릭터를 만들고 싶다는 것을 알고 있었습니다. 하지만 접할 수 있는 매체는 한정적이었고, 여러 프로젝트를 거치고 나서야 예술이 얼마나 광범위할 수 있는지 깨달았습니다. 예술은 동화책, 박물관, 비디오 게임에만 국한된 것이 아니었죠. 일찍부터 다양한 매체를 탐구했더라면 기술적 역량과 커리어를 더 발전시킬 수 있었을 겁니다. 이런 것들은 경험하면서 배우게 되는 것들이죠.
창작 과정은 어떻게 되나요? 개인 프로젝트와 업무 프로젝트 사이에 차이점이 있나요?
저에게 창작 과정이란 논리와 인간 본성에 대한 이해를 바탕으로 합니다. 제가 만드는 모든 시각적 요소는 형태의 논리에 기반하며, 관객이 이를 어떻게 받아들일지를 고려하여 구성됩니다. 흔히 예술은 주관적이고 개인적인 것이라고 말하는데, 만들고자 하는 스타일 측면에서는 그럴지 몰라도 스타일과 관계없이 “매력”이라는 개념은 매우 엄격한 논리에 근거합니다. 이는 제 개인 프로젝트와 업무 프로젝트 모두에 동일하게 적용됩니다.
업무에서 제가 좋아하는 독특한 점은 프로젝트의 역동성, 제가 접하게 되는 다양한 프로세스, 그리고 함께 협업하는 창의적인 팀들입니다. 사용 중인 콜 오브 듀티: 블랙 옵스 콜드 워 예를 들어, 저는 그 팀이 제작 후반 단계에서도 변화를 두려워하지 않는 모습이 정말 인상 깊었습니다. 게임의 시각적 완성도를 얼마나 중요하게 생각하는지 느낄 수 있었거든요.
업계에 처음 발을 들이려는 분들이 예술적 안목을 키우기 위해 조언해주실 만한 것이 있을까요?
기술적인 장벽을 최대한 빨리 넘어서라고 말씀드리고 싶습니다. 툴을 배우다 보면 자칫 예술적 본질을 놓치기 쉽거든요. 우리 업계에는 항상 새롭고 흥미로운 기술이 등장합니다. 기술은 발전하지만, 예술이라는 근간은 절대 변하지 않죠. '어떻게 이 이미지를 구현할까'라는 기술적 고민에 얽매이지 않도록 툴을 능숙하게 다루는 것이 중요합니다.
그 단계를 넘어서면 세상의 사물이 어떻게 작동하는지, 즉 사물의 메커니즘을 연구하는 시간을 가져보세요. 창의성을 발휘하기 위한 논리적 기반을 다지는 것이 중요합니다. 조명 또한 스토리텔링과 관객이 작품을 어떻게 받아들이게 할지를 결정하는 핵심 요소입니다.
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